리포에틱

artist 권세진

2023. 11. 24.

본 글은 2023년 8월 25일에 진행된 이문정과 권세진 작가의 대화를 편집, 정리한 것입니다.

작가 권세진(Kwon, Sejin)

LEE : 이문정, Kwon: 권세진

LEE : 미술을 처음 접했던 순간은 언제이며, 미술을 전공하고 작가로 활동하게 된 계기, 이유는 무엇인가?

Kwon : 초등학교 때 TV에서 방영하던 만화영화 포켓몬스터(Pokémon)를 따라 그렸던 게 미술에 대한 첫 기억인 것 같다. 포켓몬스터를 소유하고 싶어서 그렸는데 친구들이 좋아해서 나눠주기도 했다. 이후 중학생 때까진 만화책을 보다가 캐릭터를 그리기도 했는데 진지한 것은 아니었다.
어렸을 때 할머니 할아버지와 시골에서 같이 살아서인지 미술 학원에 다니지 않았지만, 8살 때부터 할아버지께 한자와 서예를 배웠다. 초등학교 때부터는 서예 대회를 나갔고, 중학생 때는 서예부 활동도 했다. 화가이자 미술대학 교수셨던 작은 아버지의 권유로 미술을 시작했고 포항예술고등학교에 진학하게 되었다. 개교한 지 얼마 안 된 학교여서 내가 7회 입학생이었다. 고등학교 2학년 때 그동안 서예를 한 영향으로 자연스레 한국화를 선택했다.
정확히 언제라고 말하긴 어려운데 나는 대학 입학하면서, 아니 엄밀히 말하면 고등학교 때부터 작가가 되고 싶었다. 미술을 본격적으로 시작한 것은 늦은 편이었지만 막상 시작하니 잘하고 싶었다. 그런데 대학교에 들어가고 보니 작가가 되기 위해서는 그리만 잘 그려서는 안 되고, 다른 여러 가지에 대한 지식이 필요했다.

LEE : 학부 때 작업은 어땠는지 궁금하다. 주로 수묵, 담채화에 가까운 작품들이다.

권세진 도판 <Portrait KOO eun_ju>, Graphite charcoal on canvas, 162.2x130.3cm, 2012, 도판 제공=권세진

Kwon : 학부 때는 동양화에 관한 것을 전체적으로 다 배웠는데 개인적으로 비단에 그리는 채색화, 문인화, 산수화 같은 전통 동양화에는 큰 흥미를 못 느꼈다. 수업을 따라가고 새로운 기법을 배우는 것은 재미있었지만 그와 같은 작업을 하는 작가가 되고 싶지는 않았다. 그래서 수업은 수업대로 받고 나는 나만의 작업을 해야겠다고 생각했고 실제로도 둘을 분리했다. 당시에 나만의 작업으로 그린 것은 주로 풍경과 인물이었다. 지금 생각해 보면 그냥 풍경과 인물을 그리는 게 좋았다. 재현 그 자체에 빠져 있을 때였다. 작품이라면 작가의 내면이나 주제, 취향, 의도가 담겨야 하는데 당시에는 그런 게 체계화되어 있지 않아서 그리기에 집중했던 것 같다. 대학교 3학년 때 고민을 꽤 깊게 했고, 그때 다른 작가들을 조사하면서 다양한 생각들을 할 수 있었다.

LEE : 현재 권세진의 작업을 보면 우리가 일반적으로 떠올리는 수묵화는 아니다. 당연히 채색화도 아니다. 이런 작업을 하게 된 이유가 있다면?

Kwon : 내 개인 성향이나 취향도 있을 테고 대학교 때 배운 교수님들의 영향도 있다. 내가 재학 중일 때 경북대학교에는 전통 채색화 작업을 하시는 교수님이 안 계셨다. 졸업 이후에도 주로 수묵화 작업을 하시는 분들과 교류했다.

LEE : 주로 사용하는 한지는 무엇인가?

Kwon : 종이는 주로 채색화 작업을 할 때 사용하는 삼합 장지를 쓰고, 수묵 위주로 작업할 때는 번짐을 활용해야 해서 순지를 사용한다.

LEE : 최근작에서는 ‘아크릴 물감’이라고 구체적으로 재료를 밝혔다. ‘종이에 채색’이라고 밝힌 다른 작품들도 전부 아크릴 물감을 사용했나? 아크릴 물감을 사용할 때도 아교포수를 하는가?

Kwon : 특정 시기에 과슈를 쓴 적도 있는데 주로 아크릴을 사용한다. 대학생 때는 동양화 재료를 썼다. 그런데 당시 친했던 친구가 서양화 전공이어서 그 친구가 작업하는 것을 보다가 아크릴 물감을 쓰면 좋겠다는 생각이 들었다. 전통 동양화 재료도 색이 다양하지만 아크릴 물감은 색을 섞어서 만들 필요가 없을 정도로 다양했고 사용하기도 동양화 물감보다 훨씬 쉬웠다. 동양화 안료의 경우 아교를 섞어야 하고, 그때그때 즉각적으로 사용하기가 쉽지 않다. 그래서 아크릴 물감을 묽게 해서 동양화 쓰듯이 한지에 바르게 되었다. 동양화와는 다른 색감이 마음에 들기도 했다.
아크릴 물감을 쓰지만 아교포수를 한다. 물감의 접착력을 높이기 위한 것은 아니고 삼합지의 표면이 균일하지 않아 바탕 면을 고르게 만드는 용도이다. 또 한 가지, 한지의 흡수력 때문에 표면에 한 번 코팅해주지 않으면 발색이 좋지 않다. 색이 스며들다가 뒷면으로 빠져버리는 것 같고, 무엇보다 건조한 느낌이다. 아교를 바르면 붓질도 잘 되고 색을 잘 머금게 된다. 단 아교포수는 색이 있는 작업의 경우만 하고 수묵 위주의 작업에는 하지 않는다.

권세진 도판 먹지 드로잉, 도판 제공=권세진

LEE : 작품 정보에 흑연(graphite)도 적혀 있었는데 일반 연필과는 다른 흑연 덩어리를 사용한다는 것인가?

Kwon : 표기를 상당히 고민했던 부분이다. 먹지를 사용했는데 먹지의 검정은 흑연(입자)이다. 흑연 부분을 강조하고 싶어서 처음에는 그렇게 적었는데 지금은 먹지라고 적고 있다.

LEE : <밝게 지혜롭게>(2014), <귀가도>(2015)와 <집단활동>(2015) 시리즈 등에서 먹지를 사용했다. 먹지를 사용한 이유는 무엇인가? 그리고 작업에 대한 설명에서 ‘먹지를 대고 한 번 그으면 다시 그을 수 없다’는 내용을 봤는데 흐려지긴 해도 여러 번 그을 수 있지 않나?

Kwon : 그렇게 볼 수도 있다. 그러나 한번 선을 그린 뒤 그 위치를 지나가게 다시 선을 그리면 처음 같은 진하기는 불가능하다. 그래서 한 번 그으면 끝이라 생각했다. 또한 그림이 그려지는 화폭을 기준으로 봐도 한 번 선이 생기면 지울 수 없다. 먹지로 옮겨진 선은 특히 잘 지워지지 않는다. 연필과는 분명 다르다. 사람들이 잘 상상하지 못하는데 많이 사용한 먹지는 하얘진다. 흑연 분말이 점점 사라져 선을 그을 수 없는 먹지를 보며 소멸을 떠올리곤 한다.
먹지는 오래된 사진을 그림으로 옮기는 작업을 시작하면서 사용하게 되었다. 사진을 보고 연필이나 목탄으로 옮겨 그리면 변형되는 부분이 생긴다. 변형을 최소화해 최대한 사진적인 형상을 유지하고 싶어 선택한 방법이다. 전통 채색화에서 노루지에 밑그림을 그린 뒤 한지에 목탄 등을 이용해 옮기는 방식과 먹지를 사용하는 방식이 비슷해 익숙한 것도 있었다. 먹지를 이용하면서 밑그림을 그리면 사진을 계속 정면으로 응시하기 때문에 사진의 어느 부분을 선택하고 생략할지 집중해서 생각할 수 있다.

권세진 도판 <집단활동(groub acting)>, carbon paper on paper, 29.5x42cm, 2015

LEE : 캔버스를 사용하게 된 계기는 무엇인가?

Kwon : 캔버스에 그리는 건 아니고 캔버스에 한지를 붙인다. 동양화 패널이 있는데, 개인적 판단으로 캔버스 틀이 더 견고해서 그림의 지지체로 사용하게 되었다. 동양화 배점도 한지 뒷면에 천을 덧대는 것이기 때문에 캔버스에 한지를 붙이면 효율성이 높다.

LEE : 표면의 반사 빛을 포함해 어두움 못지않게 빛이 전달되는 장면을 그리는데, 먹으로 빛을 표현하는 것은 쉽지 않다. 또 먹으로 표현할 수 있는 검은색의 진하기(심도)에도 한계가 있다. 어떻게 표현하는지 궁금하다.

Kwon : 그렇다. 텁텁한 느낌이라고 해야 할까, 빛의 표현이 동양화 재료로는 쉽지 않다. 검정(먹)도 심도가 잘 나오지 않는다. 내 작업에서 일정 수준 이상으로 가능했던 것은 화면을 작은 부분으로 분할해서 그린 뒤 합쳤기 때문이다.
전체를 한 화폭에 그리면 먹이 번져나가면서 옆 영역에 계속 영향을 주기 때문에 심도도 약해지고 탁해진다. 그런데 조각내서 작은 면에 그리니 먹이 정해진 영역 밖으로 퍼져 나갈 수 없어서 원하는 대로 표현이 가능해진다. 또 먹도 일반적으로 사용하는, 붉은빛이 도는 고매원이 아니라 푸른 기가 있는 청묵 계열을 사용한다. 대학생 때부터 수성 재료를 이용해 한지에 그려왔고, 먹이라는 재료를 꾸준히 사용하다 보니 기량이 좋아진 것도 있다. 그런데 화면을 분할한 이유는 원하는 대로 표현하기 위한 것도 있지만, 새로운 작업을 원했기 때문이다. 그냥 재료를 바꾸는 것으로는 새로움을 얻을 수 없었다. 차별화가 되려면 기존의 재료라도 어떻게 바라보는지가 중요하다.

권세진 도판 좌)분할된 사각형의 화폭, 도판 제공=권세진
우)작업 과정, 도판 제공=권세진

LEE : 사실 작은 크기의 그림을 이어 붙여 설치하려면 그 위치가 정확해야 할 텐데 관리하는 나름의 방법이 있다면 무엇인가? <물의 표면>(2019)만 봐도 한 장의 위치라도 잘못되면 전체 이미지가 어그러진다.

Kwon : 관객들이 가장 신기해하는 부분이다. 사실을 밝히면 매력이 반감될 수도 있는데 정해진 대로 설치한다. 그리고자 하는 이미지를 정하면, 2000장이면 2000장, 포토샵으로 원하는 만큼 쪼개 분할된 이미지를 저장한다. 그림을 그릴 화폭과 같은 크기로 각각 출력한 다음 먹지를 사용해 하나하나 밑그림을 그린 뒤 먹으로 그린다. 물론 헷갈리지 않기 위해 행과 열을 맞춰 번호를 적어놓는다. 그릴 때도 순서대로 그리기 때문에 크게 힘들진 않다. 만에 하나 없어지거나 섞일 수 있지만 컴퓨터에 분할된 이미지가 저장되어 있고, 번호도 적혀 있어서 큰 문제가 되지 않는다. 내가 엄청나게 감각적으로 기교를 부리거나 하는 사람이 아니기 때문에 무언가를 계속 쌓아나가는 노동집약적인 작업을 하게 되는 것 같다.

LEE : 작은 그림들을 하나하나 그리고, 순서대로 맞춰서 정리도 해야 하고, 본인은 어렵지 않은 듯 말하지만 사실 중노동이다. 작업 방식으로 인해 스트레스를 받을 수도 있겠다.

Kwon : 오래 하면 조금 답답할 때도 있고 거북목도 심해지고 하는데 그때그때 다르다. 무엇보다 작업을 하다 보면 정서적으로 편안해진다. 또 작업실이 아닌 곳에서도 그릴 수 있다는 점도 좋다. 다만 작은 그림을 여러 개 그리다 보니 처음부터 규모가 큰 화폭에 그리고 싶다는 생각이 들 때가 있다.

권세진 도판 <CMYK> [CMYK], 개인전 전경, Gallery 2, Seoul, 2021, 사진 촬영=김상태, 도판 제공=권세진

LEE : 권세진의 작업에 대한 평론에서 흥미로운 내용을 발견했다. “색을 섞지 않고 잉크젯 프린트의 인쇄 방식인 CMYK 즉, 청록색의 사이안(Cyan), 선홍색의 마젠타(Magenta), 노란색(Yellow), 검은색의 키 플레이트(Key Plate) 색상만을 이용해 채색했다.” “권세진은 이번 작품이 디지털 방식으로 찍은 사진에서 출발했지만, 마치 브라운관 TV로 송출되는 화면처럼 재현되길 원했다. 가까이 다가가면 거친 망점이 그대로 비추던 화면 말이다. 동양화를 전공한 그는 곽희의 <조춘도>와 같은 고전회화를 좋아한다고 했다. 브라운관 TV의 화면을 재현하고 싶다는 것은 결국 고전 회화의 색이 바랜 비단이나 종이에서 느껴지는 깊이감과 시간성을 재현하고 싶었다는 말과 다름이 없다. 동양화의 현대적 해석이 전통적인 기법이나 관념을 재현하는 데 초점을 맞추고 있다면, 권세진은 동양화 화면에 켜켜이 쌓인 시간성을 재현하고자 한 것이다.”1) 작가가 직접 해주는 부연을 듣고 싶다.

Kwon : 지금 생각하기로 이 작업은 동양화를 전공한 작가에게 항상 따라오는, ‘당신의 작업을 동양화적인 관점에서 설명할 수 있는가? 어떤 관계가 있는가?’란 질문에 대한 답이기도 하다. 사실 나에겐 지겨울 정도의 질문이다. [CMYK](2021)에 전시했던 작품들은 보통 떠올리는 동양화의 현대적 해석과는 결이 다를 것이다. 사진은 요철이 없는데 먹지에 펜을 이용해 종이나 천에 옮긴다는 데에서 탁본을 연상했다. 처음엔 흑연으로 음영을 만들어 놓고 다음에 세 가지 색을 입힌다. 동양화에서는 먹으로 대상과의 거리 등을 그리고 농담 변화를 준 다음에 색을 입힌다. 산수화 수묵담채 방식과 유사하지 않을까 생각했다. <CMYK> 시리즈가 현재와 그리 멀지 않은 과거에 촬영된 사진이기 때문에 나는 색을 가미하거나 표현을 첨가해 더 오래된 이미지를 만들고 싶었다. 예를 들어 고전 명화 같은 경우 아무리 관리를 잘해도 처음 그려졌을 당시의 색과 다를 것이다. ‘오랜 시간이 지난 뒤에 변색된 그림을 보기 때문에 더 좋아 보이는 것은 아닐까? 오히려 색의 변화가 더 귀중한 것처럼 보이게 만드는 것은 아닌가?’에 대해 생각했고, 그런 분위기를 흉내 냈다고 보면 된다. 이와 같은 맥락에서 디지털이 아닌, 아날로그적인 분위기의 브라운관 TV도 나온 거다. 예전에 찍혔던 이미지나 영상을 오늘날 보면 회화적인 감성이 있다.

권세진 도판 <CMYK> 시리즈 색의 겹침, 도판 제공=권세진

LEE : ‘동양화의 전통을 현대적으로 실험하고 있다’는 이야기를 정말 많이 들을 것 같다. 이에 대해 본인은 어떻게 생각하는지 궁금하다. 일부 작업은 특별한 설명이 없다면 동양화라기보다 회화로 다가온다. 또한 동양화와 한국화 중에 어느 용어를 사용하는지, 주제나 소재를 정할 때, 실제 그림을 그릴 때 그에 대한 생각을 어느 정도 하는지 말해주면 좋겠다. 관련해 받게 되는 압박감이나 스트레스는 없는지, 있다면 어느 정도인지 궁금하다.

Kwon : 벗어날 수 있을 것 같으면서도 벗어나기 어려운 부분이다. 사실 유화로 작업하는 작가에겐 그런 질문을 하지 않는다. 그런데 동양화를 전공했다는 이유로 동양화 작가라고 불린다. 전시 때마다 나의 작업을 동양화와 연결해서 해석하려 하고 그에 관한 질문을 한다. 동양화 표현이나 재료를 사용 안 하면 안 하는 대로, 사용하면 사용하는 대로 어떻게든 연결 짓는 사람들이 있다. 그래서 이제는 어떤 식으로든 연결될 것이란 사실을 받아들였다. 실제로도 동양화의 재료들을 사용하고 있기 때문에 틀린 것도 아니다. 작가의 입장에서는 그러한 구분보다 작업 그 자체를 봐주기를 원한다. 그렇다고 이러한 상황을 단점으로만 생각하는 것은 아니다. 사실, 작업할 때는 그 부분을 특별히 생각하지 않는다. 자연스럽게 하는 편이다.
나는 한국화 전공으로 졸업했지만, 동양화와 한국화 둘 중 하나를 고수하지 않는다. 식민주의를 생각하면 한국화를 사용하는 게 맞는 듯해도 어찌 되었든 역사 속에서 만들어진 단어이고. 그래서 사람들이 선택에 맡기는 편이다. 내 경험상 사람들이 현재는 동양화란 단어를 더 쓰는 것 같다.

LEE : 2013년부터 2015년경까지 주로 오래된 사진을 보고 그림으로써 자신의 기억, 특히 자신이 속했던 공동체에 관한 기억/분위기를 그렸다. 기억은 명확하지 않고 불확실하며 왜곡의 가능성도 크다. 이런 이유로 기억과 상상력의 관계를 논하기도 한다. 기억은 과거이자 현재이고 현재이자 과거이며 계속 흐르고 변하는 것이다. 분위기라는 것 역시 보편적일 수 있으나 매우 주관적이고 모호한 것이다. 사진은 기억과 관련된 대표적인 통로이자 상징이다. 처음 사진을 선택하게 된 계기, 그릴 사진을 선택하는 기준에 대한 설명을 부탁한다.

Kwon : 내가 어떤 그림을 그릴 수 있을까를 고민하다 시작되었다. 화면 구성을 해야 했는데 동양화의 관념적인 구상은 나와는 잘 맞지 않았다. 스케치한 뒤 그것을 발전시키는 것도 끌리지 않았다. 여하튼 나는 눈앞에 보이지 않는 것을 그릴 수 없었다. 그러다 보니 최종 선택지는 사진이었다. 그런데 사진은 특정한 시간과 장소 혹은 사건이나 인물을 기록한다, 순간을 포착한다는 인식이 강하다 보니 사진과 관련된 기억이나 내용들과 연결되었다. 사진을 찍을 순간에는 존재했으나 지금은 사라진 어떤 것에 관한 증거 같은 느낌으로. 그렇게 첫 출발을 하게 되었다.

권세진 도판 작업 과정, 도판 제공=권세진

LEE : 작가 본인이 찍은 사진과 다른 사람이 찍은 사진은 분명 다를 텐데 두 종류의 사진 모두 사용했다.

Kwon : 당연히 느낌이 많이 다르다. 그런데 사진 선택은 목적에 따라 달라지는 것이기 때문에 대하는 태도에 차이가 있다. 회화성을 발견하고 싶을 때는 웹에서 수집하거나 아카이브 자료 사진을 선택한다. 아무래도 오래된 사진이 회화적 인상이 강하기 때문이다. 주변의 일상 풍경들을 그릴 때는 내가 찍은 사진을 사용한다. 예전에 내가 찍었든 수집했든 내가 선택한 사진들은 일반적인 사진의 분위기와는 조금 다르고, 동양화 같은 구도로 여백이 있거나 혹은 정적이고 수평적인 구도가 많다고 말씀하신 분이 있었는데 공감되는 부분이다. 내 어린 시절 사진도 있고, 기록 사진도 있고 심지어 역사적인 장면을 담은 사진들도 마찬가지였다. 내가 찍는 대상들은 대부분 나에게서 멀리 떨어져 있거나 평평한 풍경이다. 완성된 그림의 분위기도 유사하다. 그것이 내 안에 내재한 취향이나 정서일 수 있겠다고 생각한 적이 있다.

LEE : “그림을 매개로, 잊고 있던 기억을 끄집어내거나 과거의 시간으로 돌아가는 경험을 하도록 만드는 것이다. 나는 나의 그림이 아름답기를 원한다. 여전히 나의 목적은 시간의 흐름에서 망각되고 있던 사건들을 그림을 통해 다시 환기되는 경험을 하게 만드는 것이다.”2) 라고 적은 작가 노트에서 가장 궁금한 것은 “나는 나의 그림이 아름답기를 원한다”는 문장의 의미이다. 본인이 생각하는 아름다움을 표현하는 데에 기억이 적합하다고 생각하는가?

Kwon : 동시대 미술에서 아름다움이란 피해 가야 하는 것, 전통적인 미술을 대표하는 것처럼 여겨졌는데 요즘은 작가들이 자신이 추구하는 가치와 지향을 종합적으로, 사고의 거리를 두고 사용할 때 미라는 단어를 사용하는 것 같다. 물론 단어 그대로 자기 작품이 아름답길 원하는 작가도 있겠지만.

LEE : 졸업앨범의 사진을 이용한다는 점에서 학교(공동체)와 긴밀해질 수밖에 없다. 그런데 작업에 관한 글들에서 학교, 국가 등이 언급되지만 그와 관련된 사회구조, 제도, 사회적인 의미를 다루려고 하지 않는 것 같다. 졸업사진 외의 다른 과거의 사진을 활용한 작품이 있다면?

권세진 도판 <1990's>, ink on paper, collage on canvas, 100×190cm, 2017, 도판 제공=권세진

Kwon : 내가 졸업앨범 사진을 그린 계기 중 하나는 내가 다녔던 초등학교가 폐교되었다는 이야기를 들은 것이다. 초등학교 졸업 후 나는 조금 더 큰 도시인 포항으로 진학했다. 원래는 시골 분교에 다니다 도시 쪽으로 온 거다. 중학교를 졸업한 후 친구 대부분은 실업계 고등학교에 갔고 대학 갈 생각은 아예 안 했다. 나중에 인생이라는 게 자신의 선택과는 무관한 환경으로 인해 결정된다고 생각하게 되었다. 주어진 환경에 따라 아예 대학에 갈 생각조차 안 하게 되는 거다. 이것이 사회적 문제라거나 그에 대해 어떤 메시지를 전달하려는 것은 아니다. 그냥 어렸을 때의 기억이 떠올랐고 향수처럼 이런저런 생각이 났다.

LEE : 2016년부터 돌과 풍경을 그리기 시작했다. 풍경은 100% 작가 본인이 촬영한 사진을 그린 것인가? 작업 설명을 보니 ‘사진을 회화로 재구성했다’고 하고, ‘사진을 편집하지 않고 그대로 그렸다’고도 되어 있던데, ‘회화로 재구성’했다는 것은 어떤 의미인가? 사진을 그릴 때 편집을 최소화하는가?

Kwon : 보통은 촬영된 그 장면에 충실하게 그리려 노력한다. 내가 의도적으로 개입하거나 변형하는 것을 선호하지 않는다. 물론 개입을 안 하려 해도 현실적으로 불가능하다. 굳이 그렇게 안 해도 변형되는 부분이 있고, 자연히 내 정취가 담긴다. 또 완성된 작품은 색감도 바뀌어 있다. 여기서 ‘사진을 편집하지 않고 그대로 그렸다’의 의미는 내가 본 장면을 크게 변형하지 않고, 실제 장소와 장면이 이어지도록 재현한 것의 의미이다. ‘사진을 회화로 재구성했다’의 의미는 이미지와 결과물인 그림, 그 사이에서 작용하는 것은 결국 물성의 결합이라고 생각했던 적이 있어서 한 말인 것 같다.

권세진 도판 <물, 빛, 돌(water, light, stone)>, ink & gouache on paper, 138.5×134.5cm, 2016, 도판 제공=권세진

LEE : 다양한 풍경도 그렸지만, 특히 돌과 물이 두드러진다.

Kwon : 정서적인 측면에서 물과 돌을 선택하게 된 것 같다. 내가 명상적인 느낌이 있는 장면을 좋아한다. 그래서 돌이나 물, 아니면 반짝거리는 무엇처럼 편안함에 이르게 하는 것들에 시선이 많이 가고, 자연히 그리게 된다. 명상하려면 그냥 백지보다는 앞에 마음을 가라앉히고 집중하게 하는 혹은 머릿속을 비우는 데 도움이 되는 무언가가 필요하다. 문인화에서 소재를 그리는 것 자체가 아니라 그것을 통해 생각하고 내면을 돌아보는 것이 목표인 것과 비슷하다고 볼 수도 있겠다.

LEE : 권세진의 작업에 대해 사진을 바탕으로 그린 그림들과 차별화된다는 설명이 반복적으로 등장하던데 작가는 어떤 점에서 다르다고 생각하는가?

Kwon : 분명한 건 나는 사진을 보고 극사실주의처럼 그리는 것을 목표로 하지 않는다는 점이다. 사진을 이용하지만, 사실성보다는 그것의 기록성이나 그때의 시간성 등을 회화적으로 해석하는 작업에 가깝다. 사실 사진은 그 자체가 과거라는 시간성을 가지고 있어서 향수적인 측면이 있다.